Pedro Aznar (n. 23 de julio de 1959, en el barrio porteño de Liniers), es un reconocido cantante y bajista argentino.Sus comienzos en la música están ligados al rock, pero también se ha destacado en géneros como jazz y folclore argentino y latinoamericano.
Juan Zacarías Pacheco, artísticamente Johnny Pacheco (nacido el 25 de marzo del 1935 en Santiago de los Caballeros), es un músico dominicano de salsa, y una de las figuras más influyentes de este ámbito. Es uno de los cofundadores del sello Fania. ++
Pedro Juán Rodríguez Ferrer (Ponce, 31 de enero de 1933- † Bronx, 2 de diciembre de 2000) Cantante puertorriqueño de Salsa. A Pete ‘El Conde’ Rodriguez no solo se le reconoce como uno de los más extraordinarios vocalistas en la historia de la salsa, sino también como el que mejor asimilo la esencia de los nacidos en Puerto Rico. Es por ello que en Colombia, Venezuela, Peru y otras plazas internacionales puntuales de la cultura salsera incluso Cuba, los conocedores suelen identificarlo como el más cubano de los soneros boricuas. ++
Rough Guides facturará este disco como ir «más allá de zampoñas y ponchos», es decir, que quería ser un muestrario ,de algunas de las tradiciones musicales, más amplio de los Andes, en lugar de otro disco de «música de flauta andina» . Todavía hay un montón de cosas muy típicas en esta recopilacion,pero muchas son autoctonas.
En el año 2000, Carlos Libedinsky, director musical de NARCOTANGO, luego de 15 años de interpretar tango tradicional en una formación instrumental de guitarras y canto, comienza a bailar tango. Esta experiencia, marcó un giro en su inquietud musical. La intensidad de la milonga, las nuevas expresiones desarrolladas por los bailarines en la pista y la inclusión de mucha gente joven en la música de Buenos Aires, que durante decadas habia sido destinada a los abuelos de la generacion del 30 y 40, le genero la necesidad de crear un puente entre la tradición del tango y el siglo XXl
Following on from Bestival’s showcase of many of the bands and coming out at the same time as the Spitz Folk Festival, (see The British Acid Folk Underground 1968-2006 (Gather In The Mushrooms @ The Spitz Festival Of Folk), the timing of this double CD — split between The British Isles and North America — couldn’t be better.
One of the many highlights of the Bestival Festival was the appearance of Tunng on the main stage on the Sunday. It was only a few weeks ago they were in the Wychwood Tent on the Sunday and how they’ve grown in stature.
It may be that the sound system was bigger but they seemed to fill the place with a glorious happy vibe with track from the new album Comments On The Inner Chorus. One of the songs they played isn’t on the album and the band teased the crowd with a guess the tune competition. The bloke behind me was ecstatic as he ‘won’ the quiz of a night out with Mike; possibly to the relief of Becky (I wonder if she still has her ‘Black Prince’ at home? I wonder if they went to Haven St. in the afternoon?). I digress as the point is they did a cover of Bloc Party’s ‘The Pioneers’ (of Silent Alarm) and it’s the opening track on the Folk Off compilation. I’ve a bit of a soft spot for Bloc Party (even though Matt Tong has had far too much time to get round to the Hectic interview) and while its not a bad tune with those big drums, Tunng have absolutely stolen it on their version. A great gig as ever and watch out for a new tour by them soon.
Other bands that have great tracks on the CD and played at Bestival are Magnétophone (Rock ‘n’ Roll Tent, Sat). Like Tunng, they were previously on the Static Caravan label and are more electronic that folk. Also on a similar tip, Same Actor and the closing track, ‘Blue Parsley’ is a real treat for those who like obscure electronic breaks. In between, the ever-excellent Eighteenth Day of May (Bandstand, Sat) get down on an instrumental, ‘Dawn’ that would put a smile on your face if you heard it every morning.
North Sea Radio Orchestra (Bandstand, Sun) ‘Guitar Miniature’ is a little gem and Mia Doi Todd has been compared to Vashti Bunyan and you can easily see why with ‘Here Before’. Wyl enjoyed the next track James Yorkston (Main Stage, Fri) taken from the recent The Year Of The Leopard album and I’ll second that.
So the The British Isles CD is excellent and I loved it all. It was always going to be hard for the North America team to match it. It starts powerfully enough with the superb, Micah P. Hinson’s ‘Yard Of Blonde Girls’ from the Full Time Hobby album The Songs Of Tim + Jeff Buckley (don’t miss out on Tunng’s ‘No Man Can Find The War’ on the same album; can this band do no wrong on a cover version?). But you can see, I’m getting back to the home grown CD again.
However, Rob has picked a couple of good ones from Mi & L’Au (Bandstand, Sun) and the Espers (who are coming over for a EatYourOwnEars gig at The Luminaire, 22nd November).
Au Revoir Simone is a great name and they sound really good too. As does Fiest who makes a guest appearance on ‘Snow Lion’. Readymade FC are not the only ones to have spotted Fiest’s talents as she has also worked with Mocky (new single out soon from him, ‘Extended Vacation’).
In fact, I first heard Fiest on the Blue Room show and regular listeners to Rob da Bank and Chris Coco’s weekend shows will be shocked that they are falling victim to the Radio 1 re-scheduling in the next couple of weeks. This is sad but on the bright side, it means the Sunday Best sessions are starting again at The Bedford in Balham, SW17 (see details below).
Back at Folk Off, Great sleeve note by Pete ‘I was there’ Paphides that reminds us that both the development of music/artists either side of the pond have been historically dependent upon one another; hard to imagine there’d be no Tunng without Laura Cantrell but you get his drift. This double CD set is just what you need after Bestival or any other exhausting activity. Definitely worth adding it to the list of must have folk compilations of the year as it’s got the da Bank sideways look at things. Rob, you deserve a big thank you for all your excellent work.
El proyecto Bole2Harlem es obra del productor, percusionista y músico norteamericano David Schommer y el rapero etíope Maki Siraj. Toma su nombre del principal puerto de entrada de Etiopía y el barrio de Nueva York, donde reside Schommer.
La relación de Schommer con Etiopía tiene su origen en la infancia que pasó en el país, dónde su padre ayudó al establecimiento de la primera universidad de Addis Abeba entre 1950 y 1958. Hace algún tiempo Schommer decidió volver a seguir los pasos de su padre haciendo un viaje a Etiopía, acompañado por Siraj que ya era entonces un buen amigo. Los dos tuvieron un viaje increíble, pero se sintieron decepcionados al ver que los jovenes hacían un hip-hop mediocre, emulando el sonido de la Costa Oeste de Estados Unidos, pero sin tener en cuenta la música y la cultura propias, sin apoyarse en temas más relacionados con la música tradicional etíope y en sus increíbles melodías y ritmos. El viaje también inspiró a Siraj para empezar a escribir poesía en amárico (o ahmárico, no sé cómo traducirlo), por primera vez en varios años.
A su regreso, siguieron manteniendo una colección de tambores africanos en el restaurante de un amigo francés-marroquí en Manhattan, donde todos los sábados por la noche se celebraba una reunión/jam-session, que siempre acababa en baile, con la colaboración entre músicos en vivo y el DJ de la casa. Entre esa serie de amigos que se conocieron durante estas sesiones se encuentran la hermana de la cantante etíope Gigi, Tigiist Shibabawj (fallecida en 2008), el percusionista brasileiro Davi Vieira, el violonchelista Dave Eggar, el bajista etíope Henok Tenesgen y el maliense Balla Tounkara a la kora.
Schommer los reunió en su estudio de la 123a Street para crear Bole2Harlem, Volumen 1. El resultado de este latido espontáneo impulsado por las jam-sessions del restaurante, revela al mismo tiempo una cierta esencia de Etiopía, una visión del mundo multicultural y un sonido moderno sin precedentes en el hip-hop.
Reseñas en inglés :
This is an exhilarating slice of Ethiopian hip-hop that could have been made only by the diaspora (in this case Manhattan-based), whose interest in keeping homeland sounds alive is stronger than it would be in an African country where imitating American rappers is a much greater draw.
The star of the show is Tigist Shibabaw, the sister of the better-known Gigi, whose vocals demand your attention from the first seconds but never dominate to the detriment of the beat. Simple on the ears and easily accessible, Ethiopian music has a strong historical claim to being the funkiest in Africa, and the horns and beats wouldn’t sound out of place on any dancefloor anywhere on the planet. (David Hutcheon, Times Online)
For most Westerners, the Ethiopian connection to popular music goes no further than Rastafarian reggae musicians’ worship of the late emperor Haile Selassie as their spiritual leader. In recent years, however, more and more Ethiopian music has made its way to the world music mainstream, via such forward-looking singers as Gigi and Aster Aweke and the excellent Ethiopiques series of vintage recordings. Bole 2 Harlem, Vol. 1 is something else altogether though, unlike any other Ethiopian music heard outside of the country. For good reason, too: it’s as much a New York creation as it is one of Africa, perhaps more so. As its name makes very clear, Bole 2 Harlem is about drawing a direct line running from the African nation (Bole is the name of the major airport in Addis Ababa, Ethiopia) to America’s capital of black artistic innovation. The recording was conceived and produced by an American, Dave Schommer, who ran a weekly jam in a Moroccan/French restaurant in downtown NYC. For the album, Schommer gathered together a group of singers and musicians with roots in Ethiopia (Gigi’s sister, Tigist Shibabaw, is one of the vocalists here) as well as other African nations, Brazil and the U.S., and then allowed nature to take its course, with Schommer himself providing much of the instrumentation. The result is a decidedly contemporary mix, incorporating as much hip-hop, funk and reggae as it does elements of traditional Ethiopian music. Bole 2 Harlem, Vol. 1 makes generous use of electronics, funky horn charts and rhythm section, and the thrilling, charged vocals of Maki Siraj, an Ethiopian expat based in New York. The cultural mix is seamless but the music transcends it — put these grooves on in any dance club and it’s a fair bet feet will soon be moving, even if not a single soul in the room has a clue where the music came from. (Jeff Tamarkin, AllMusic review)
Sambistas Do Asfalto está dirigida por el legendario Astor Silva que tienetambién tocar el trombón, además, tenemos músicos de renombre, tales como Copinha (flauta), Moacyr Marques (saxo tenor)samba brasileña de Río de Janeiro,.vocales; Jair Avelar, Teixeira Joab, Edgardo Luis, Copacabana y el coro.
1. Windham – Alabama Sacred Harp Singers, Luther, Martin [1]
2. Mear – Alabama Sacred Harp Singers, Mercer, Jesse
3. Wondrous Love – Alabama Sacred Harp Singers, Traditional
4. Lover of the Lord – Alabama Sacred Harp Singers, Reeves, R.H.
5. Lover of the Lord [Version 2] – Alabama Sacred Harp Singers, Reeves, R.H.
6. Montgomery – Alabama Sacred Harp Singers, Morgan, David [1]
7. Northfield – Alabama Sacred Harp Singers, Ingalls, Jeremiah
8. Mount Zion – Alabama Sacred Harp Singers,
9. Milford – Alabama Sacred Harp Singers, Stephenson, John
10. Stratfield – Alabama Sacred Harp Singers, Watts, Isaac
11. Evening Shade – Alabama Sacred Harp Singers, Leland, John
12. Ballstown – Alabama Sacred Harp Singers, Shumway, Nehemiah
13. Edom – Alabama Sacred Harp Singers, Cole, John Listen
14. Fillmore – Alabama Sacred Harp Singers, Heginbothom, O.
15. Sardis – Alabama Sacred Harp Singers, Lancaster, Sarah
16. Mission – Alabama Sacred Harp Singers,
17. Vain World Adieu – Alabama Sacred Harp Singers, Dumas, Elder Edmund
18. Heavenly Vision – Alabama Sacred Harp Singers, Billings, William
19. David’s Lamentation – Alabama Sacred Harp Singers, Billings, William
20. Sherburne – Alabama Sacred Harp Singers, Read, Daniel
Sacred Harp Singing
subido por taraletti
Raúl Alberto Antonio Gieco nació el 20 de noviembre de 1951 en una chacra del norte de Santa Fe. Su familia se muda a Cañada Rosquín, un pueblo cercano, y allí comienza a trabajar a los 8 años. La primera guitarra la compró León con su propio sueldo, en 1959. Comenzó entonces a presentarse en los actos del colegio y en un grupo de folklore, Los Nocheros. Paralelamente, también se integra a Los Moscos, una banda de rock, con la que poco a poco logran cierta popularidad en los pueblos cercanos. Hacían covers de Los Beatles, de los Rolling Stones y del Spencer Davis Group. Finalmente, en 1965, ganan un concurso para presentarse en Canal 5 de Rosario. Llegar a presentarse con un grupo en esa ciudad era más de lo que había esperado.
En el verano de 1969 viajó por primera vez a Buenos Aires, con su guitarra al hombro y casi sin dinero. Poco a poco comienza a relacionarse con el mundillo rockero: Litto Nebbia, Tormenta y, sobre todo, Gustavo Santaolalla. Es justamente el guitarrista de Arco Iris quien le consigue algunas presentaciones como telonero de Moris y Pajarito Zaguri. Incluso llegaron a presentarse León, Nebbia, David Lebón, Cacho Lafalce, Gabriel Ranelli, Bernardo Baraj, Claudio Martínez y Diana Lenguanegra, bajo el nombre La Banda de los Ocho. En noviembre del ’71 llega la primera presentación grande, en el Festival B.A.Rock II y luego el «Acusticazo» (junio del ’72), junto a Nebbia, Lebón, Domingo Cura, Edelmiro Molinari y otros. Allí se registra la primera grabación de «Hombres de Hierro», uno de los temas más famosos de León. En diciembre llega la tercera versión del B.A.Rock y para marzo del ’73 sale a la calle el primer disco, que había sido grabado como producción independiente con Santaolalla a lo largo de dos años. El tema de difusión es «En el país de la libertad». Poco a poco va logrando cierta difusión y se lo comienza a nombrar como «el Bob Dylan argentino».
León arma La Banda de los Caballos Cansados, con el objetivo de tocar en vivo las canciones del disco: Rubén Batán (bajo), Vicente Busso (batería), Rodolfo Gorosito (guitarra).
Fuente
01 – En El País De La Libertad – 03:16
02 – Déjame Que Te Sienta – 03:15
03 – Cada Día Somos Más – 02:13
04 – Seamos Todos Caballos – 03:48
05 – Hombres De Hierro – 04:37
06 – María Del Campo – 04:27
07 – Todos Los Caballos Blancos – 03:00
08 – Campesinos Del Norte – 03:00
09 – Soles Grises Y Mares Rojos – 02:56
10 – La Colina Sobre El Terciopelo – 03:02
http://www.youtube.com/v/NtBNxeKSzT0&color1=0xb1b1b1&color2=0xd0d0d0&hl=en_US&feature=player_embedded&fs=1
LEON GIECO – 1973 – subido por Lalo47
Israel Ka‘ano‘i Kamakawiwo‘ole (conocido como Iz) nació en 1959 en la isla Oahu. Fue criado en la comunidad Kaimuki en las afueras de Waikiki donde sus padres vivían. A los 11 años empezó a tocar instrumentos musicales junto con su hermano mayor Skippy. Durante su adolescencia, su familia se mudó a Makaha. Allí conoció a Louis «Moon» Kauakahi, Sam Gray y Jerome Koko quienes junto con su hermano Skippy formaron el grupo Hijos Makaha de Ni’ihau. Poco a poco desde 1976 y a lo largo de los 80, el grupo fue ganando popularidad en Hawái y en el resto de los Estados Unidos.
En 1990, Iz lanzó su primer álbum como solista Ka’ano’i el cual le valió para ganar varios premios en Hawái. Facing Future fue lanzado en 1993, siendo generalmente considerado como su mejor trabajo y con el cual se dio a conocer fuera de Hawái. Facing Future (1993) debutó en el puesto #25 en la lista de la revista Billboard. Alone in IZ world, (2001) debutó de #1 en la lista mundial de Billboard y en #15 en la lista de ventas «Internet Album Sales». En 1994 Iz fue escogido como la figura del espectáculo del año en Hawái de acuerdo con la HARA (Hawaii Academy of Recording Arts).
Al avanzar su carrera, Iz se fue caracterizando por promover los valores y la cultura de Hawái, así como el movimiento independentista, a través de sus canciones (la letra de sus canciones a menudo abordaban el tema de la independencia abiertamente). Sus canciones se utilizan actualmente en series de televisión y películas como por ejemplo Descubriendo a Forrester, ¿Conoces a Joe Black?, Tienes un e-mail, 50 primeras citas, así como capítulos de la serie de televisión ER.
En 1997, Iz fue honrado por la Hawaii Academy of Recording Arts en la ceremonia anual de los premios Na Hoku Hanohano en cuatro de las más importantes categorías, entre ellas mejor cantante y mejor álbum. Iz no pudo asistir a la ceremonia y vio el evento desde su habitación en el hospital. Durante la mayor parte de su vida adulta Iz fue obeso llegando a pesar 340 kg. Fue hospitalizado en numerosas ocasiones, y murió afectado de problemas respiratorios derivados de su enorme peso el 26 de junio de 1997 a los 38 años de edad. Su cuerpo fue velado en el edificio del Capitolio en Honolulu, con la bandera a media asta en los edificios estatales. Luego de cremado las cenizas de Iz fueron esparcidas en el océano frente a la playa de Makua. Iz se distinguía por pertenecer a una, cada vez menor minoría, que sólo tienen antecesores con pura sangre hawaiana nativa. Iz es recordado por su carácter siempre alegre y positivo, y por su amor a la tierra y al pueblo hawaiano.
El autor de Facing Future, el álbum más vendido de todos los tiempos de Hawái, poseía una voz tan dulce, tan delicada, tan hermosa, que se siguen conmoviendo profundamente los que lo escuchan mucho tiempo después de su muerte.
Cuidadosamente montado por el productor Jon de Mello, Alone in IZ world se compone de dos versiones de las canciones más queridas de Kamakawio’ole, así como temas nunca antes escuchados por el público. Esta última categoría incluye versiones de «Hanohano No Na Cowboy», la apertura incompleta y juguetona de la «Mona Lisa» y «Twinkle, Twinkle Little Star», en la que IZ toma un raro giro armónico consigo mismo. A la luz de su muerte prematura, cortes alternados, devastadoramente hermosos de «Starting all over again» y «In this life», son especialmente conmovedores. Y el tema «Over the rainbow» –del que se escucharon versiones de Iz en ¿Conoces a Joe Black? y Descubriendo a Forrester– nunca más podrá sonar tan puro.
Pistas:
01. Mona Lisa
02. Kaleohano
03. ‘Ulili E
04. Hanohano wale no na cowboy and Ka Huila Wai
05. Hi’ilawe
06. Henehene Kou ‘Aka
07. Ahi Wela / Twinkle twinkle little star
08. ‘Opae E
09. Starting all over again
10. Over The rainbow
11. Panini Puakea
12. La ‘Elima
13. In this life
14. O2
http://www.youtube.com/v/iqF5AvERMNg
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